康德说：“美是不凭借概念而普遍让人愉快的。”
若定要给美一个明确的意象，那么有一个答案我想大多数人都没有异议——花。
我这样说当然是有原因的。
公元前1600年，圣托尼里岛壁画上的“海滨全能花”。
19世纪，凡高创作的《向日葵》。
21世纪，迪奥“迷幻之岛”系列珠宝。
以及今天，我们随时都能在网络上能刷到的花艺作品。
数千年来，无论何地，人类文明的演进中，花的身影似乎从未缺席。
我们被它的优雅、妩媚倾倒，受它的姿态、品格熏陶，也因它的热烈、明艳欢欣。
今天我要推荐给你的，正是一本“花的赞歌”——《花：探索盛开的世界》。
它来自“费顿艺术灵感”系列典藏画册，此书为该系列的第一部，由中国国家地理·图书重磅引进。
英国费顿出版社，以独特的选题、优质的内容以及堪称艺术品的印刷品质，被世界艺术爱好者公认为“艺术出版殿堂”。
这本《花：探索盛开的世界》，将带领读者探索古埃及至今约4000年间，人类对花卉图案的赞颂。
整本书共收录316幅华美惊艳的图像，涵盖了多样的风格和媒介。
从静物画、植物插图、雕塑、壁画等传统艺术形式，到摄影、电影、互动装置等现代艺术媒介，再到珠宝、服装、花艺、家装等更为宽泛的生活领域。
这些作品的创作者，涉及各个领域且风格各异。
人类史上的传奇全才列奥纳多·达·芬奇，以“传递快乐”著称的亨利·马蒂斯，爱用手机画画的大卫·霍克尼，先锋大胆、饱受争议的摄影师罗伯特·梅普尔索普……
这本书抛弃了按时间或主题编排的结构，而是从图片中挖掘对比、互文的可能性。
每个对页的图片都像是在开展一场跨时空的对话：
同样表现玫瑰，摄影与绘画能产生多大的对比？
16世纪的书籍插画与21世纪的先锋艺术，能有多高的相似度？
同样是打造花园，地点的不同，寓意会产生什么样的反差？
翻阅这本画册，你会发现，在美之外，花作为表达主题或是表现材料的无限可能。
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赠品数量有限，先到先得。
一套6张的花卉书签，图案来自1890年的“老法官”牌花卉系列香烟卡。
点彩派画风的火焰铁线莲、矢车菊、秘鲁马鞭草、素方花、铃兰及山梅花，充满复古韵味。
一张为本书定制的高清艺术海报。
精选来自莫奈的《睡莲》——全球艺术爱好者的灵感之作。
128g哑粉纸印刷，纸张厚实不反光，高度还原真迹色彩。
这本献给花卉爱好者的梦想之书，宜珍藏宜礼赠。
绵延数千年的痴迷
早在4000年前（也许更早），人类就已经开始对自然界里的花产生浓厚兴趣了。
上图这组在莫克洛斯岛墓葬中发现的小型金器，包括几片金叶子、一个挂在链子上的花朵吊坠、一颗串珠以及一个被锻造成花朵形状的发簪。
据考证，他们诞生于公元前2300-前2100年。
在米诺斯及之后的希腊文化中，花和叶象征着新生和节庆。
在很长一段时间里，植物学家或是医生对于花草的描绘，都出自编辑草药志的需要——为了帮助医生识别物种。
这幅绘制于16世纪的薰衣草，各种细节准确无误，也没有任何风格化处理。
话虽如此，但看着它饱满的叶片、葱郁的花朵、粗壮的根茎……足以打开读者的想象之门：在广阔的原野上，一株株薰衣草正向着太阳茁壮生长着。
平实细腻的笔触、层次丰富的色彩、对称和谐的画面结构，若将它看做一幅插画创作也充满趣味。
20世纪初，另一位艺术大师克劳德·莫奈，用他的巨幅睡莲画作，直接影响了现代抽象艺术的诞生。
在他的睡莲系列画作中，粉红的花朵和漂浮的叶子出现在画面两侧低垂的垂柳枝条间，水面上倒映出天空的云彩——画面中天空与水面的界限消失了。
当观众站在这件1.5m×2m的巨幅画作前，画框的边界也似乎正向四周无限延伸。
20世纪50年代前后诞生的色域绘画概念，也许在莫奈的创作构思里早有雏形。
在这款创作于1983年的方巾上，植物学艺术家尼基·古兰德里斯采用了对称设计，将希腊的疆矢车菊和夏雪片莲，墨西哥电灯花以及中国紫藤花搭配在了一起。
自1937年以来，爱马仕每年都会聘请艺术家设计不同的方形图案。如今爱马仕丝巾已发展出超1200种设计，成为一种标志性时尚配饰。
这件以香奈儿女士钟爱的白色山茶花为灵感的礼服，由卡尔·拉格斐于2005年设计，共使用了2500朵出自勒马利耶手工艺坊的丝绸制山茶花。
这座成立于1880年的手工艺坊，每年都要为香奈儿制作3万多朵山茶花，而为了制作这件礼服所需的花朵，至少需要数百小时的手工。
香奈儿女士如此迷恋山茶花，不仅因为其优雅、简洁，还因其能让人联想到大仲马的小说《茶花女》中的女主角。
时间来到数字艺术大放异彩的今天，花朵同样给创作者们带来源源不断的灵感。
这件由teamLab设计的交互数字装置作品中，数字花朵跟随着观看者的脚步，逐渐萌芽、盛开，逐渐铺满整个空间，照亮墙壁与地板。而当你忍不住想要去触碰、踩踏它们，花朵会迅速衰败并死亡，化为乌有。每一位观众的体验都是独特的，并无法被复制。
观众既是创作者，也是该作品的一部分——而在作品之外，人类既是自然的观察者，也是其发展演变的一部分。
数千年来，花早已成为我们生活中不可或缺的一部分。
通过书中的文字，读者不仅能够了解每一幅作品中的花朵及寓意，更能一窥时代发展中人类思想的演进、文明的日渐丰盈。
但无论技术、观念如何更新，花朵在人类文明中从未失位，更从未有丝毫褪色，反而愈发动人。
美，即创造力
翻阅这本书的乐趣，远不止验证人类对于花的痴迷。
这一点从它的编排就能看出：它既不以时间来排序，也不按照主题给图像分类。
而是以“每个对页的两幅图是否能够产生对话”为标准。
一幅再客观不过的植物志插图，一张极富想象力的超现实主义绘画，却能让观众产生同样的感受与联想——侵略性、斗争性、拟人化。
这幅黑鲨鱼掌（现称为青龙刀），出自一本17世纪的植物志《莫宁克斯图集》。
图中描绘的青龙刀，形似芦荟，叶子呈扇形展开，光滑得如斧凿刀刻一般。
再来看它的对页，巨大的向日葵伸出长长的“触手”，直奔远处的女孩而去，女孩的头发像收到外力吸引，冲向天空。
这幅画来自美国超现实主义艺术家，多萝西娅·坦宁。她痴迷于向日葵，并认为这种植物本身带有侵略性。所以，在她的画作中，向日葵往往被放大数倍，带着拟人的味道，让人恐惧又心生好奇。
这两幅图证明，艺术与科技充分结合后，人类的视角被一次次更新，花朵之美也愈加立体。
这幅虞美人，出自历史上第一位女摄影师安娜·阿特金斯之手。
蓝晒技术仅仅发明一年，她便独具新意地用花朵产生的负像来创作，她也是最早使用相片为书籍做插图的人。
对页图同样是一幅因科技创新而生的作品。
Autodesk 3ds Max是一款计算机图形软件，通常用于视频动画和游戏设计领域。
日本艺术家村山诚以18世纪植物猎人的插画为灵感，通过该软件，将植物的结构更加极致地表现出来，画中的花朵如同工业蓝图，透视效果下，结构更佳完整、纹理极度清晰。
作为一幅艺术作品，无论是形式还是色彩，同样充满新奇的审美意趣。
从20世纪30年代极具开创性的英国花艺师康斯坦斯·斯普里开始，插花这门技艺已经有了天翻地覆的变化。
她会仔细观察每种植物的特征，并根据摆放地点选择植物种类。她经常选择传统观赏花卉之外的植物，比如她对紫甘蓝的热爱几乎花艺界人尽皆知。
她的作品往往从看似不拘一格的材料开始，展现大自然的野性与驯服的一面——这一充满革命性的美学观念，至今仍对花艺师们有着深刻的影响。
来自美国的刘易斯·米勒设计工作室，则用“花闪”再次颠覆了这个行业。
所谓“花闪”，是用那些卖剩的鲜花、大型活动现场撤下的花饰，来装饰纽约街头的红绿灯、公交车站和垃圾箱。
他们的每次“花闪”都在凌晨布置完成，只为给通勤者带来一些快乐。偶尔会有路人顺手带走一两枝花，这也算是作品的一部分。
翻阅本书的过程中，你会发现有些花会以不同形式反复出现：向日葵、兰花、郁金香、玫瑰、鸢尾、百合、罂粟都是艺术家和工匠们的最爱。
数千年来，花卉本身并没有改变，改变的只有艺术家和工匠们审视和利用花卉的方式，当然还有我们的审美情趣。
在本书充满新意的编排下，这些作品的生命力被再次激活，每一次翻阅都将为读者带来新的灵感。
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